동시대미술: 앵포르멜 미술

목차

1. 앵포르멜 미술의 정의와 역사적 배경: 형식의 해체와 자유로운 표현
2. 앵포르멜 미술의 주요 특징: 자발성과 물질성의 강조
3. 앵포르멜 미술의 주요 작가들과 작품 분석
4. 앵포르멜 미술의 철학적, 사회적 함의: 실존주의와 전후 재건
5. 앵포르멜 미술의 유산과 현대 미술에의 영향

 

동시대미술: 앵포르멜 미술

 

◆동시대미술: 앵포르멜 미술

1. 앵포르멜 미술의 정의와 역사적 배경: 형식의 해체와 자유로운 표현

앵포르멜(Art Informel) 미술은 1940년대 후반부터 1950년대에 걸쳐 유럽에서 발전한 추상미술 운동이다. '앵포르멜'이라는 용어는 프랑스어로 '비정형의', '무형식의'라는 의미를 가지며, 1951년 프랑스 미술평론가 미셸 타피에(Michel Tapié)에 의해 처음 사용되었다. 이 운동은 제2차 세계대전 이후의 혼란스러운 시대 상황을 반영하며, 기존의 형식적이고 기하학적인 추상미술에 대한 반발로 등장했다.

앵포르멜 미술은 미국의 추상표현주의와 유사한 시기에 발전했으며, 두 운동은 많은 공통점을 공유한다. 그러나 앵포르멜은 유럽의 문화적, 역사적 맥락 속에서 독특한 특성을 발전시켰다. 이 운동은 전통적인 구성 방식을 거부하고, 즉흥적이고 자발적인 표현을 강조했다. 앵포르멜 작가들은 전쟁의 폐허와 인간 존재의 불확실성에 직면하여, 기존의 미술 형식으로는 표현할 수 없는 새로운 현실을 탐구하고자 했다.

앵포르멜 미술은 다양한 하위 경향을 포함하는 포괄적인 용어로, 타시즘(Tachisme), 서정적 추상(Lyrical Abstraction), 물질회화(Matter Painting) 등이 이에 속한다. 이 운동은 장 뒤뷔페, 장 포트리에, 한스 하르퉁, 조르주 마티외 등의 작가들에 의해 주도되었으며, 유럽 전역으로 확산되어 국제적인 영향력을 발휘했다.

2. 앵포르멜 미술의 주요 특징: 자발성과 물질성의 강조

앵포르멜 미술의 가장 두드러진 특징은 자발적이고 즉흥적인 표현 방식이다. 작가들은 사전에 계획된 구도나 형식에 얽매이지 않고, 순간의 감정과 직관을 따라 작업했다. 이는 초현실주의의 자동기술법(automatism)에서 영향을 받은 것으로, 무의식적 충동을 통해 더 순수하고 진실된 표현을 추구하고자 했다.

물질성의 강조도 앵포르멜 미술의 중요한 특징이다. 작가들은 전통적인 회화 재료뿐만 아니라 모래, 석고, 천 조각 등 다양한 물질을 화면에 도입했다. 이를 통해 작품의 질감과 촉각적 특성을 강화하고, 평면성을 탈피하여 3차원적 효과를 창출했다. 장 뒤뷔페의 '고등 풍경(Hautes Pâtes)' 시리즈는 이러한 물질성 탐구의 대표적 예이다.

색채 사용에 있어서도 앵포르멜 작가들은 기존의 관습을 탈피했다. 강렬하고 대비되는 색채의 사용, 물감을 직접 짜서 사용하는 방식, 물감을 흘리거나 튀기는 기법 등을 통해 감정적이고 역동적인 효과를 창출했다. 이는 색채를 통한 감정의 직접적 표현을 추구한 것으로, 피에르 술라주의 검은 색 추상화나 조르주 마티외의 활력 넘치는 색채 사용에서 잘 드러난다.

3. 앵포르멜 미술의 주요 작가들과 작품 분석

 

앵포르멜 미술을 대표하는 작가들 중 장 뒤뷔페(Jean Dubuffet)는 '아르 브뤼(Art Brut)'라는 개념을 통해 문화적 관습에 물들지 않은 순수한 표현을 추구했다. 그의 작품 '지체 높은 인물들(Personnages aux hauts grades)'(1945)은 거친 질감과 원시적인 형태를 통해 기존 미술의 관념을 전복시키고자 했다.

스페인의 안토니 타피에스(Antoni Tàpies)는 물질회화의 대표적 작가로, 일상적 재료들을 사용하여 깊이 있는 질감과 상징성을 표현했다. 그의 작품 '회색과 주황색의 큰 그림(Gran pintura gris i taronja)'(1962)은 두꺼운 물감층과 긁힌 자국들을 통해 시간의 흐름과 인간 존재의 흔적을 암시한다.

이탈리아의 알베르토 부리(Alberto Burri)는 의사 출신으로, 전쟁 경험을 바탕으로 독특한 물질 실험을 진행했다. 그의 '자루(Sacco)' 시리즈는 찢어지고 꿰매진 마대자루를 사용하여 전쟁의 상처와 치유의 과정을 표현했다. 이러한 작품들은 전통적인 회화의 개념을 확장하고, 일상적 재료의 예술적 가능성을 탐구했다.

4. 앵포르멜 미술의 철학적, 사회적 함의: 실존주의와 전후 재건

앵포르멜 미술은 제2차 세계대전 이후의 실존주의 철학과 깊은 연관성을 가진다. 장-폴 사르트르의 실존주의 사상이 강조하는 개인의 자유와 책임, 그리고 불확실한 세계에서의 선택의 중요성은 앵포르멜 작가들의 작업 방식과 주제 선택에 큰 영향을 미쳤다. 작가들은 자유로운 제스처와 즉흥적인 표현을 통해 개인의 주체성과 실존적 고뇌를 표현하고자 했다.

또한 앵포르멜 미술은 전후 유럽의 재건과 정체성 재정립 과정을 반영한다. 전통적 가치관과 사회 구조가 붕괴된 상황에서, 작가들은 새로운 표현 방식을 통해 변화된 현실을 이해하고 표현하고자 했다. 이는 단순히 미학적 실험을 넘어, 사회적, 문화적 재건의 일환으로 볼 수 있다.

앵포르멜 미술의 비정형성과 즉흥성은 당시 유럽 사회의 불확실성과 유동성을 반영한다. 동시에 이는 새로운 시작과 가능성에 대한 희망을 내포하기도 한다. 작가들은 기존의 형식과 규칙에서 벗어남으로써, 보다 자유롭고 진실된 표현을 추구했고, 이를 통해 전쟁의 트라우마를 극복하고 새로운 미래를 모색하고자 했다.

5. 앵포르멜 미술의 유산과 현대 미술에의 영향

앵포르멜 미술은 20세기 후반 미술의 발전에 지대한 영향을 미쳤다. 특히 미국의 추상표현주의와의 교류를 통해 국제적인 추상미술의 흐름을 형성했다. 잭슨 폴록, 윌렘 드 쿠닝 등 추상표현주의 작가들과 앵포르멜 작가들 사이의 상호 영향은 20세기 후반 추상미술의 주요 경향을 형성했다.

1960년대 이후 등장한 새로운 미술 운동들, 예를 들어 플럭서스, 해프닝, 퍼포먼스 아트 등은 앵포르멜 미술의 즉흥성과 과정 중심적 접근을 계승하고 발전시켰다. 특히 요제프 보이스의 사회적 조각 개념은 앵포르멜의 물질성 탐구를 사회적, 정치적 차원으로 확장한 것으로 볼 수 있다.

현대 미술에서도 앵포르멜의 영향은 지속되고 있다. '네오 앵포르멜'이라 불리는 경향은 앵포르멜의 정신을 계승하면서 현대적 맥락에서 재해석한다. 독일의 안젤름 키퍼, 이탈리아의 미미모 팔라디노 등의 작가들은 앵포르멜의 물질성과 즉흥성을 현대적 주제와 결합하여 새로운 표현 방식을 모색하고 있다.

디지털 기술의 발전과 함께, 앵포르멜의 우연성과 즉흥성의 개념은 새로운 매체 예술에도 적용되고 있다. 인터랙티브 아트, 제너레이티브 아트 등에서 볼 수 있는 우연성과 관객 참여의 개념은 앵포르멜의 정신을 디지털 시대에 맞게 재해석한 것으로 볼 수 있다.

결론적으로, 앵포르멜 미술은 20세기 중반의 역사적 맥락 속에서 탄생하여 현대 미술의 다양성과 실험성의 토대를 마련했다. 그 영향은 오늘날까지도 지속되며, 예술가들에게 형식의 제약에서 벗어나 자유롭고 진실된 표현을 추구할 수 있는 영감을 제공하고 있다.